Rescatando al soldado Ryan (1998)

Ambientada en la invasión de Normandía durante la Segunda Guerra Mundial. Dirigido por Steven Spielberg y escrito por Robert Rodat, el filme destaca por su recreación muy realista de la guerra, especialmente en sus intensos 27 primeros minutos, que narran el desembarco y asalto aliado de la playa de Omaha el 6 de junio de 1944. La historia continúa con Tom Hanks como el capitán John H. Miller del ejército de los Estados Unidos y siete hombres en busca de un paracaidista, el soldado James Francis Ryan, que ha perdido a sus tres hermanos en combate.

Sinopsis: En la mañana del 6 de junio de 1944, comienzo de la invasión de Normandía, los soldados estadounidenses se preparan para desembarcar en la playa de Omaha. Nada más abrirse las puertas de sus lanchas de desembarco es recibido por un feroz fuego de artillería alemana, que masacra a muchos de los soldados en cuanto ponen pie en tierra. El capitán John H. Miller, al mando de la compañía Charlie del 2. º Batallón Ranger, sobrevive a la carnicería del desembarco, reúne a un grupo de soldados para intentar penetrar las defensas alemanas y abre brecha para avanzar desde la playa.

Comentario: Spielberg supo combinar magistralmente una historia intensa, dramática y emotiva conservando al mismo tiempo los principales aspectos históricos de lo que debió de ser uno de los principales momentos de la Segunda Guerra Mundial. Es cierto que tiene un tono patriotero yanqui muy acentuado para los gustos europeos. Es cierto que tiene un final estilo "que viene el 7º de caballería". Pero también es cierto que en Norteamérica tienen un gran respeto por sus veteranos de guerra (tienen un Veteran's day) y que Spielberg es un director norteamericano que hace películas que gustan a los norteamericanos porque así se gana la vida. Spielberg simplemente hace mejor lo que hemos visto en anteriores películas. Nos muestra lo que debió de ser aquel infierno centrándose en la historia de un puñado de hombres. La escena del desembarco de Normandía es perfecta. Spielberg ha sabido aprovechar todos los adelantos técnicos que tenía en el momento para que el espectador sienta en la medida de lo posible lo que debió ser el desembarco. Utiliza magistralmente la toma subjetiva pues en ningún momento durante el acercamiento vemos la playa. Sólo vemos los rostros de los soldados totalmente asustados y nerviosos. Además la cámara se detiene por bastante tiempo en alguno de ellos, casi diría que se detiene en algunos de esos personajes más que en Tom Hanks. En mi opinión con ello consigue que creamos que van a ser los secundarios que van a acompañar a Tom Hanks en el resto del film. La sorpresa viene cuando baja la rampa y vemos que de ellos casi no queda ni uno..

Terminator (1984)

Película estadounidense de ciencia ficción y acción de 1984, dirigida por James Cameron, coescrita entre Cameron y William Wisher Jr. y protagonizada por Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton y Michael Biehn. El filme, rodado en Los Ángeles, fue producido por Hemdale Film Corporation y distribuido por Orion Pictures. Schwarzenegger interpreta al Terminator, un ciborg asesino enviado a través del tiempo desde el año 2029 a 1984 para asesinar a Sarah Connor, interpretada por Linda Hamilton. Biehn es Kyle Reese, un soldado también enviado desde el futuro con la misión de proteger a Sarah. Fue filmada de marzo a mayo de 1984 y finalmente estrenada el 20 de octubre de 1984.

Sinopsis: En el año 2029, después de devastar la Tierra y esclavizar a la humanidad, las máquinas, gobernadas por la inteligencia artificial conocida como Skynet, están a punto de perder la guerra contra la resistencia humana liderada por John Connor. Frente a esa situación, las máquinas entienden que asesinar a John Connor en el presente, sería irrelevante, dado que ya ha conducido a la resistencia humana del mundo entero a la victoria. Por lo tanto, Skynet elabora su estrategia decidiendo eliminar al líder enemigo antes de que éste nazca, de modo que no pueda cumplirse su misión de conducción futura. Para ello envía al pasado (año 1984) a un Terminator T-800 modelo Cyberdyne 101, un cíborg asesino a través de una máquina del tiempo, con la misión de exterminar a Sarah Connor, madre de John, antes de que éste sea concebido.

Comentario: Partiendo de un guión sólido, Cameron tuvo que apañárselas con un presupuesto escueto, por lo que se vio obligado a dosificar los efectos especiales y ponerlos al servicio de la acción, nunca por encima de ella. Esta es desde luego una película libre de excesos, no porque su realizador desechara rodar más escenas futuristas o mejores animatrónicas, sino porque sencillamente no podía permitírselas. Sin embargo, ya podemos intuir al prestidigitador que 7 años después cambiaría para siempre la forma de rodar cine en Hollywood. Todavía hoy resultan espeluznantes las escenas de un futuro apocalíptico donde los seres humanos son calaveras apiladas bajo las ruedas de las máquinas. Con el dinero que se emplea ahora en cubrir las dietas de un actor secundario, James Cameron consiguió hacernos creer que máquinas voladoras con formas jurásicas dominarían la faz de la Tierra. Cameron, pese a ser un realizador poco prolífico al que se tacha de excesivo con los efectos especiales, en realidad siempre ha sido un director de actores, más allá de su pasión por diseñar entornos de gran realismo y complejidad. Tiene ese don para otorgar credibilidad y naturalidad a los diálogos, incluso cuando los espeta un austriaco de apellido impronunciable interpretando a un robot del futuro. Si el guión es bueno, los diálogos deben ser creíbles. No es exagerado como Tarantino, pero siembra sus obras de conversaciones cargadolas de humor negro o guiños que son una recompensa para el espectador atento e inteligente.

Star Wars IV (1977)

Escrita y dirigida por el director de cine estadounidense George Lucas. Fue la primera película estrenada de la serie Star Wars y la cuarta en términos de cronología interna: dos filmes subsiguientes continuarían la trama original (El imperio contraataca y El retorno del jedi), mientras que una trilogía (La amenaza fantasma, La guerra de los clones y La venganza de los Sith) describiría los eventos previos a La guerra de las galaxias, girando en torno al antagonista principal Darth Vader. El estreno de la precuela provocó un cambio en el título original de la película, que pasó a incorporar el número de episodio IV (cuatro en numeración romana) y el subtítulo Una nueva esperanza.

Sinopsis: La trama describe la historia de un grupo de conocido como la Alianza Rebelde cuyo objetivo es destruir la estación espacial La Estrella de la Muerte, creada por el opresor Imperio Galáctico. Desde una perspectiva general, la historia se enfoca en un joven granjero llamado Luke Skywalker, quien, de forma repentina, se convertirá en un héroe conforme acompaña al Maestro Jedi Obi-Wan Kenobi en una misión que lo llevará a unirse a la Alianza Rebelde para ayudarles a destruir la estación espacial del Imperio.

Comentario: Star Wars lo cambió todo. A partir de entonces, cobró mucha mayor importancia el marketing. Renovó el interés por scores elaborados y sinfónicos (ya lo había hecho ‘Jaws’, del mismo Williams, pero aquí mucho más). Inauguró la categoría de herramienta esencial de los efectos especiales de toda clase (maquetas, pantallas azules, animaciones, maquillajes). Evidenció la falta de cultura cinematográfica de la mayoría de sus imitadores (llegando hasta nuestros días, con los astutos, brillantes, pero pobres en cine puro Wachowski o Jackson). Entregó el cine a los adolescentes. Para bien o para mal, ‘Star Wars’ significó el principio de una nueva era, mientras que otras películas de mucho mayor prestigio, como ‘Ciudadano Kane’ (no precisamente la que más me impresiona de Welles, por cierto), recogían y cristalizaban los adelantos técnicos y narrativos acumulados hasta entonces. La de Lucas, sin embargo, reencontraba en el cine el espacio de la aventura infinita, de los sueños hechos realidad. Porque no existe película más famosa que ‘Star Wars’. Porque ‘Star Wars’ es sinónimo de cine-espectáculo, de acudir a la sala a maravillarse, una y otra vez. Porque el impacto en la cultura popular de esta saga está a años luz (nunca mejor dicho) que el de otras como ‘El señor de los anillos’ o ‘Matrix’. Sin embargo, sin ella no existirían éxitos grandiosos como el de ‘Avatar’. Porque sus valores éticos siguen significando una lucha contra la opresión, una búsqueda de la libertad individual y colectiva, de la dignidad y lo mejor de cada uno de nosotros. Porque su historia sigue siendo la de la fraternidad, la amistad, la lucha, el valor, la redención, el perdón y el éxtasis de vivir.

Psicosis ( 1960) 

Psicosis (Psycho, en su título original en inglés) es una película estadounidense de terror y suspense dirigida por Alfred Hitchcock, protagonizada por Anthony Perkins, Vera Miles, John Gavin, Martin Balsam y Janet Leigh y estrenada por primera vez en cines en 1960. La película tiene lugar en su mayor parte en un solitario motel, donde se aloja una secretaria, Marion Crane (Janet Leigh), que ha huido con dinero de su empresa. El motel está regentado por Norman Bates (Anthony Perkins). En el momento de su realización se consideró distinta al anterior trabajo de Hitchcock, North by Northwest (1959), por estar rodada con un bajo presupuesto, con el equipo de una serie de televisión y en blanco y negro. Inicialmente la película recibió comentarios mixtos, pero en una revisión motivó opiniones muy positivas que dieron lugar a cuatro nominaciones a los Premios Óscar, incluyendo el de mejor director para Hitchcock y el de mejor actriz de reparto para Leigh

Sinopsis: Un viernes por la tarde, en una habitación de un hotel de Phoenix, Marion Crane (Janet Leigh), que trabaja como secretaria en una empresa inmobiliaria, y su novio Sam Loomis (John Gavin) discuten sobre su futuro. Marion quiere casarse con Sam, un deseo dificultado por su escaso sueldo y por las deudas heredadas de su padre. Sam, como tantas veces anteriores, se marcha y deja sin responder a Marion qué harán en el futuro.

Comentario: La relación de Hitchcock con las mujeres siempre ha sido uno de los temas más interesantes y controvertidos de su biografía. Su mujer, sus actrices, y por supuesto, su madre. Siempre buscó un mismo referente o patrón en cada una de ellas, lo que le llevaba a obsesionarse. No es extraño que Hitchcock viese en esta película algo de él mismo. La relación de Norman con su madre. El carácter posesivo de esta y lo que llegó a influir en Norman recordó al propio Hitch su relación materna. ¿Y en qué puede llegar a convertirse la obsesión de una persona? En terror. Pero no un terror cualquiera. Un terror real, humano, psicológico. Eso es algo que si bien Hitchcock no inventó para el cine, si asentó un modelo de género cinematográfico, el thriller psicológico. La atmósfera del motel, cargada de detalles simbólicos (como a Hitchcock le gustaba), junto a la construcción de una personajes reales e inolvidables hacen de Psicosis algo especial y casi único en su tiempo. El público estaba acostumbrado al terror propio de monstruos o fantasmas, pero ¿y el miedo a lo real? Miedo a algo que nos parece cotidiano y tranquilo. Miedo a algo que puede que pasarnos sin preverlo. Eso, amigos míos, es Psicosis. Así es como Hitchcock consiguió quitarse la espinita de Vértigo. La película fue todo un éxito tanto para la crítica como para el público, gracias en parte a la campaña de secretismo orquestada por el propio Hitchcock y el gran final de la película. Obtuvo cuatro nominaciones al Oscar entre las que destacan Mejor Director y Mejor Actriz Secundaria para Janet Leigh. El mejor, y a la vez peor parado, fue sin duda alguna el actor Anthony Perkins, al que se le relacionó por el resto de su carrera con el papel de Norman Bates.

Ben - Hur (1959)

Película estadounidense de 1959 de los géneros épico y dramático ambientada mayormente en la provincia romana de Judea en tiempos del emperador Tiberio. Fue dirigida por William Wyler y producida por Sam Zimbalist para Metro-Goldwyn-Mayer. Sus papeles principales los interpretan Charlton Heston, Stephen Boyd, Jack Hawkins, Hugh Griffith y Haya Harareet. Adaptación de la película muda del mismo título de 1925, Ben-Hur se basaba en la novela homónima escrita por Lewis Wallace en 1880. El guion lo firma Karl Tunberg, aunque el libreto incluye aportaciones de Maxwell Anderson, S. N. Behrman, Gore Vidal y Christopher Fry.

Sinopsis: La acción transcurre en Judea, el año 30 d. C. El Imperio romano, dueño y señor del mundo conocido, gobierna con mano de hierro sus vastos territorios, entre ellos Judea, sometiendo con dureza a sus moradores. Estos desean con ansia la llegada de un nuevo Mesías que liberará al pueblo judío del yugo romano. Entre ellos Judá Ben-Hur (Charlton Heston), un príncipe rico que comercia con especias de Oriente a Roma, un hombre respetado y creyente en la fe de su pueblo y su Dios.

Comentario: Pero ¿qué hace inolvidable a esta película? Es obvio que estamos ante una de las obras maestras del séptimo arte. Un cinta colosal cuyo propio peso ante la historia, la narrativa, la técnica hablan por sí solos. Un sin fin de escenas inolvidables rodadas con cámaras de 65 mm y acompañadas por la magnífica banda sonora de Miklós Rózsa han pasado de padres a hijos como un bien cultural único. La escena en la que Mesala y Judá se encuentran por primera vez; el intento de fuga del segundo de la cárcel; la caminata por el desierto y el encuentro de Judá con un joven Jesús (al que nunca vemos el rostro); las galeras que tanto impresionó a espectadores de todo el mundo; la carrera de cuadrigas, claro ejemplo de cómo aunar emoción y acción en una misma escena; y el final con la pasión de Cristo en Jerusalén. De esta escena nos quedamos con  la carrera de cuadrigas. Debido a la importancia de la escena, y a la inexperiencia de Wyler en este tipo de acción, fue dirigida por la segunda unidad de dirección bajo la supervisión del propio Wyler, por Andrew Marton, el cual consiguió una de las mejores escenas de acción de la historia, y que sin embargo jamás rodó una película que le haya justicia. Fue rodada en los estudios de Cinecitta de Roma en el mayor set construido hasta el momento, el cual imitaba a la perfección al antiguo circo de Antioquía, y con más de 15000 extras durante más de tres meses. El rodaje de la carrera llevó a cabo cinco semanas para ser finalizada. Se ha comentado hasta la saciedad el mito de que un extra murió durante el rodaje, más concretamente al que el carro le pasa por encima. Según Wyler y Heston nadie resulto herido de gravedad o muerto durante el rodaje. Se usaron diversos muñecos para dichas escenas para crear el efecto, pero no hubo accidentes que lamentar en ese aspecto. El momento que si merece destacar es en el que Judá es impulsado hacia delante con el carro y casi cae entre este y las patas del caballo. Fue el extra de Heston, Joe Canutt, que aunque tenía conocimiento de que el carro daría un salto, no esperaba que el impacto fuese tan fuerte, por lo que milagrosamente pudo agarrarse y volver a subir como vemos en la película con únicamente un rasguño en la barbilla. Después Heston repetiría el momento en el que sube al carro de nuevo. Canutt fue su extra durante gran parte del resto de su filmografía desde ese momento.

Casablanca (1942)

Narra un drama romántico en la ciudad marroquí de Casablanca bajo el control del gobierno de Vichy. La película, basada en la obra teatral Everybody comes to Rick’s (Todos vienen al café de Rick), de Murray Burnett y Joan Alison, está protagonizada por Humphrey Bogart en el papel de Rick Blaine e Ingrid Bergman como Ilsa Lund. El desarrollo de la película se centra en el conflicto de Rick entre —usando las palabras de uno de los personajes— el amor y la virtud: Rick deberá escoger entre su amada Ilsa o hacer lo correcto. Su dilema es ayudarla o no a escapar de Casablanca junto a su esposo, uno de los líderes de la resistencia, para que este pueda continuar su lucha contra los nazis.

Sinopsis: Casablanca está ambientada en plena Segunda Guerra Mundial, y cuenta la historia de Rick Blaine (interpretado por un magnífico Humphrey Bogart acabando con su encasillamiento de gangster), dueño del Café de Rick en la ciudad de Casablanca; y la llegada de una antigua novia de Rick, Ilsa Lund (Ingrid Bergman) junto a su esposo Victor Laszlo (Paul Henreid), líder de la resistencia checa, que necesitan de la ayuda de Rick para escapar de Casablanca, que está bajo el control de los nazis. La relación entre Rick e Ilsa vuelve a resurgir, de modo que este se ve en la encrucijada de si hacer lo mejor para Ilsa y su marido y que ellos escapen, o romper contra sus propios ideales e intentar escapar con la chica dejando a Laszlo en la más pura estacada.

Comentario: El alma de la película es, por supuesto, Rick, y su local, el Rick’s. El diseño de producción de Carl Jules Weyl, que ya había trabajado con Curtiz con anterioridad, es realmente sensacional, y nos traslada a una capital económica marroquí de cuento, casi de Aladino, como de cuento es el París (realmente, los mismos decorados rediseñados en el mismo plató) de los flash-backs. Escenarios que van a servir para el viaje de redención y perdón de Rick, el cínico con el corazón roto, que comienza dándoselas de duro con los oficiales y los banqueros alemanes, para luego ser un anti-héroe, lejos de la ideología de Víctor, pero igualmente sacrificado, porque ¿no sacrifica su amor por Ilsa a cambio de un bien mayor, como es la libertad? Cómo ha cambiado el mundo y el cine. Hay diálogos geniales, como ese tan famoso de “si pensara alguna vez en tí...probablemente te despreciaría”, y una fotografía muy interesante, muy visual, pues Curtiz quería contar la historia con sombras y planos, más que con exposiciones de tramas. De todas formas, y aunque hay una gran inventiva en el uso de sombras y movimiento de cámaras, y a pesar de la influencia del expresionismo alemán, permanece el convencionalismo de la época en detalles como los primeros planos de Ingrid Bergman, siempre con filtros suaves, tan típicos de aquellos años. Lo que no era tan típico es que una producción tan cara no tuviera un final cerrado en el rodaje, pues nadie sabía con quién se quedaría finalmente Ilsa.

Kin Kong (1933)

King Kong es una película de aventuras dirigida por los estadounidenses Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack y con Fay Wray, Robert Armstrong y Bruce Cabot como actores principales. La película fue producida por la compañía cinematográfica RKO Pictures y escrita por Ruth Rose y James Ashmore Creelman, basándose en una idea de Merian C. Cooper y Edgar Wallace. Trata sobre el hallazgo de Kong, un gorila gigante, en una isla prehistórica perdida y sobre cómo fue capturado y llevado a la civilización contra su voluntad. En 1932, un año antes del estreno de la película, Delos W. Lovelace publicó una novelización del guion de King Kong, con algunas escenas que no están presentes en la película. King Kong fue estrenado por primera vez en Nueva York el 7 de marzo de 1933, en el teatro Radio City Music Hall.

Sinopsis: La rubia Ann Darrow, una corista sin empleo, es contratada por el director Carl Denham para protagonizar su próxima película. El “Venture”, el barco comandado por el capitán Englehorn y que transporta a todo el equipo, llega a Skull Island, una isla misteriosa donde vive una criatura legendaria venerada por los indígenas y llamada “King Kong”. Durante el viaje, Ann se enamora de John Driscoll, el segundo de abordo. Ya en tierra, los exploradores son descubiertos de inmediato por los indígenas y dan marcha atrás. Pero los nativos secuestran a Ann, la “mujer de cabellos de oro”, y la atan para ofrecerla en sacrificio a King Kong. Cuando sus compañeros aparecen para liberarla, un gigantesco simio atrapa a la joven y desaparece en el bosque. Denham y sus hombres se lanzan entonces a la persecución de King Kong.

Comentario: King Kong es una película que cabalga a medio camino entre el cine de aventuras y el terror, con unas dosis de violencia y erotismo bastante relevantes. Curiosamente, en los años venideros, con la censura y rigidez del Código Hays, King Kong habría sido pasto de la censura más carca y retrógrada. Hablamos de un film que costó 650.000 dólares de la época, y que destaca, principalmente, por las técnicas de animación stop-motion y la calidad de los efectos especiales y su mezcla con los animatronics. En escasos 90 minutos (Peter Jackson necesitó 187 minutos para filmar una película que no le llega a esta a la suela de los talones) cuenta muchas cosas, todas ellas con un ritmo tremendo. Repleta de escenas icónicas (la llegada a la isla, la aparición de King Kong y su posterior persecución, la lucha entre Kong y el T-Rex y todo el tramo final en NYC) y dobles lecturas (la bella y la bestia, la jungla real y la jungla de asfalto…), también peca de transmitir algunos clichés mal vistos por la sociedad hoy en día (el ya citado del personaje de Jack, una mujer rodeada de hombres en un barco y el rechazo de estos o la ridiculización del cocinero chino).

Tiempos modernos (1936)

Tiempos modernos es una mezcla entre el cine mudo y el sonoro; a veces es considerada como la última película muda de la historia. Se emplearon algunos efectos auditivos, como música, cantantes y voces provenientes de radios y altavoces así como la sonorización de la actividad de las máquinas. Al final puede oírse brevemente la voz de Charles Chaplin. Y es la primera película en la que se escucha su voz. El actor canta una versión de la canción de Léo Daniderff «Je cherche après Titine», pero con una lengua inexistente, conocida como «Charabia», cuyos sonidos tratan de asemejarse a una mezcla de francés e italiano, con alguna palabra reconocible en inglés. Considerado como un ejemplo de crítica social, el mismo Chaplin negó la relevancia que muchos han querido darle a su trabajo en este largometraje. En la obra se mezcla la ficción con la realidad, para tomarla con un poco de humor.

Sinopsis: un obrero metalúrgico que trabaja apretando tuercas acaba perdiendo la razón. Después de recuperarse en un hospital sale y es encarcelado por participar en una manifestación en la que se encontraba por casualidad. En la cárcel, también sin pretenderlo, ayuda a controlar un motín, gracias a lo cual queda en libertad. Una vez fuera, emprende la lucha por la supervivencia en compañía de una pobre joven huérfana a la que conoce en la calle.

Comentario: Excelente humor de sucesos accidentales, en general, la película se articula en base a estas casualidades. La crítica va de la mano con la comedia y una serie de elementos extraños, como la pantalla proyectada en los baños cuando Chaplin se disponía a disfrutar de su descanso de unos pocos minutos, o también el invento que ahorraría tiempo al comer a los empleados. Las películas de Chaplin son siempre entretenidas y divertidas por más veces que sean vistas, pero más allá del goce que se pueda obtener de estas películas, la carga técnica y temática las hace imperdibles dentro de nuestro camino de historia del cine. 

El último (1924)

El último, es la decimoquinta película en la carrera cinematográfica de F. W. Murnau, también conocida como La última carcajada. Esta joya del cine mudo crepuscular, narra cómo un portero de un lujoso hotel, (interpretado por el actor alemán Emil Jannings) un anciano orgulloso de su trabajo y respetado por todos, es bruscamente degradada a mozo de los lavabos. Privado de su antiguo trabajo y del uniforme que le identifica, intenta ocultar su nueva condición, pero su vida se desintegra lentamente.

Sinopsis: La historia nos lleva a la entrada de un lujoso hotel del mundo occidental. En ella nos encontramos al portero (Emil Jannings), un robusto y respetado hombre que no solo carga con las maletas de los clientes, sino que es el nexo de unión entre la entrada y salida de dos mundos muy diferentes. Los huéspedes le admiran, los trabajadores le idolatran, pero una vez en su barrio de clase media-baja, allí se convierte en un Dios. Saluda a todo el mundo portando aún su uniforme de portero de corte militar y siendo saludado (por no decir venerado) por la vecindad. Su orgullosa sobrina está a punto de casarse y habrá una celebración por todo lo alto. Mas el día de la boda por la mañana, cuando nuestro protagonista marcha hacia su trabajo, se encuentra que debido a su edad ha sido sustituido por un hombre mucho más joven y fuerte, mientras que a él le destinan al baño de hombres para trabajar como mozo. Toda una vida de orgullo y respeto se marcha por la taza del inodoro que ha de dejar impoluta cada vez que es usada. El hombre, desmoralizado, decide ocultar la verdad a su sobrina por lo que vuelve a casa con el uniforme, el cual deja en una taquilla de la estación de tren antes de entrar, y vuelve a recoger al salir.

Comentario: La película cumple muy bien su objetivo como drama, te entristece y resquebraja el pecho al ver como poco a poco con la pérdida de su trabajo, el portero pasa a ser un don nadie que no es respetado, ignorado incluso por su familia. Más aun, las escenas en las que se ve visualizándose como un portero capaz de realizar proezas con fuerza sobrehumana, sujetando maletas pesadísimas y haciendo malabares con ellas en contraste a su rostro demacrado y fatiga en la realidad se convierten en uno de los mejores momentos, por ser uno de los más duros.